ROCK AND ROLL

Elvis, el elegido por la música rock & roll
Elvis Presley nació en Tupelo, Mississippi, en enero de 1935 sin saber que la fortuna lo esperaba. De una familia humilde del sur de Estados Unidos que se estableció en Memphis en 1948, Elvis ya grababa sus primeros temas de Arthur Crudup y Bill Monroe, oscilando entre el blues, country rural y el gospel.
En aquella época el country se encontraba en decadencia ( el año nuevo de 1953 fallecía Hank Williams ), siendo el propósito de algunas compañías discográficas el de descubrir a cantantes que expresaran “sentimientos blancos” con fuerza, voces y corazones negros, y Elvis resultó el artista elegido en una época en que solistas como Jerry Lee Lejía, Carl Pekins, Jhonny Cash, Roy Orbison y Chuck Berry, gozaban de relativo crédito. Salvo Berry, apoyado por Muddy Waters y una discográfica independiente de Chicago, los demás coincidirían en sus primeros trabajos al grabar en 1955 con el sello Sun Records, y de ahí nació la primera leyenda de los cinco pioneros o, en cualquier caso —en palabras de Jesús Ordovás—, de "los cinco grandes creadores del rock & roll". Pero Elvis, gracias a su participación en diversos espectáculos masivos de la ciudad de Nashville-Davidson a principios de 1956, de clara significación country, pudo renunciar a su condición de héroe local que goza del interés de una audiencia reducida pero fiel, y con habilidad, apoyándose en su tema “Heartbreak Hotel”, atípico en el contexto donde lo presenta, deslumbra, hipnotiza a masas de quinceañeras y se alza con un triunfo que le catapulta en cuestión de pocos días al primer puesto de la lista de éxitos de Estados Unidos.
Con “ Heartbreak Hotel ” estalla el fenómeno de los teenagers ( seguidores jóvenes de edades comprendidas entre los 13 y los 19 años, adolescentes en general ), que dará el espaldarazo al joven y tímido cantante procedente de los más bajos estratos sociales, reconvertido en escasas semanas en ídolo de multitudes de jóvenes que ven personificado en él, hábil vocalista, diletante, bromista de gesticulación agresiva y dado a las audacias sensuales en directo, al rebelde blanco que alcanza el irrenunciable sueño americano: triunfar. En 1955 había fallecido en accidente automovilístico James Dean, encarnación mítica y cinematográfica de la juventud rebelde y sin causa. Elvis Presley transmitía inconformismo, ansia de rebelión y juventud, teniendo una causa: el rock & roll.

The Beatles
revolución británica de la música rock.
Desde principios de la década de 1960 el factor más destacado en el panorama del rock & roll estriba en lo que ha venido en denominarse la “respuesta británica”. Esta expresión engloba las numerosas y diversas formas en que los músicos ingleses asumieron las rutilantes novedades procedentes de Estados Unidos.
Tras diversos intentos previos para formar una banda estable, la aparición de The Beatels en 1962, estimuladas por el inquieto John Winston Lennon ( tuvo nombres como The Quarrymen o Johnny and the Moondogs, 1956-1959, Long John and the Silver Beatles, 1960, Beat Brothers o The Cavern, 1961, y The Silver Beatles, 1962 ) a quien secundaban de una forma regular Paul McCartney y George Harrison y con menor frecuencia el bajista Stu Sutcliffe y el batería Pete Best, supuso el germen de la “revolución británica de la musica rock”. Este grupo de jóvenes de Liverpool realizaron varias giras por Alemania y Escocia, y grabaciones como grupo de apoyo de figuras de segunda categoría, hasta encontrar en Brin Epstein al productor idóneo e idílico que llevará su carrera al estrellato.
A partir de ese momento con un nuevo y potente baterista llamado Ringo Starr, guiados por Epstein grabaron en los dos años siguientes más de 60 temas. El punto de partida es “Love me Do”, del que se venden más de 10.000 copias. El paso siguiente será el cine, de la mano del realizador Richard Lester ( ¡Qué noche la de aquel día!, 1964 y ¡Socorro!, 1965 ), en un tono muy distinto al que caracterizó la variable y populista carrera de Elvis en este campo. Es a través de las películas y de la denominada beatlemanía que recorre el mundo, que la suma de individualidades que cristaliza en la banda se diversifica: Lennon actúa como líder conciso pero agresivo tras su aspecto tímido e intelectual; Harrison es el inquieto del conjunto, interesado por el country y el orientalismo; Ringo Starr es el desenfadado, un juerguista que descarga su fuerza en el escenario; Paul McCartney, atraído por el mercado discográfico —o quizá fascinado— no oculta su interés por componer temas estándar, en consonancia con las demandas del público adolescente, visibles en las listas comerciales. Son cuatro mundos muy distintos que acabarán por tomar rumbos divergentes.
En 1964 Allen Ginsberg el poeta de la generación Beat declarará que "la conciencia universal de la humanidad se encuentra ahora en Liverpool". El éxito de los cuatro jóvenes británicos trajeados de negro y con característico flequillo ( nombrados en 1965 caballeros de la Orden del Imperio Británico ) es absoluto y desborda a los componentes de la banda. En 1966, una vez que el grupo ha triunfado en Estados Unidos, actúan juntos por última vez en San Francisco y se despiden de los escenarios. Tras una época de intensa dedicación a doctrinas orientales y sus primeras experiencias con LSD ( realizan en Revolver, 1966, una versión musical del Libro de los muertos —“Tomorrow Never Knows”— y publican su celebérrimo “Yellow Submarine” ) en 1967 graban Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, donde emplean música electrónica y cantan letras emblemáticas, como “Lucy in the Sky with Diamonds”, la más famosa de sus composiciones psicodélicas. Ese mismo año, la muerte de Epstein coincide con el estallido de las diferencias intestinas de la banda, que emprende al cabo de un año la aventura de la productora Apple, concebida para apoyar en diferentes campos artísticos ( cine, moda, música ) la revolución pop de la que The Beatles se sentían portadores privilegiados. Apple fue cerrada en 1969, anticipando dos años la ruptura definitiva de los componentes de la banda, cuyos integrantes emprendieron a partir de 1971 caminos en solitario, con distinta fortuna.

JAZZ

BUDDY BOLDEN Y ARMSTRONG
Un músico de nombre Buddy Bolden parece haber sido el artífice de las primeras bandas de jazz, pero su música y su sonido se han perdido. Si bien se pueden percibir ciertas influencias del jazz en las pocas grabaciones primitivas en discos, la primera grabación de una banda de jazz hubo de esperar hasta 1917. Esta banda, un grupo de músicos blancos de Nueva Orleans, que se llamaba The Original Dixieland Jazz Band, tuvo un enorme éxito tanto en Estados Unidos como a nivel internacional (el término dixieland sería utilizado para definir más tarde al estilo Nueva Orleans interpretado por músicos blancos ). Después aparecerían dos destacados grupos, uno blanco y otro negro: en 1922 los New Orleans Rhythm Kings y en 1923 la Creole Jazz Band, esta última liderada por el cornetista King Oliver. La serie de grabaciones realizadas por el grupo de Oliver son los registros más significativos del estilo de Nueva Orleans. Otros destacados músicos de esta ciudad fueron los trompetistas Bunk Johnson y Freddie Keppard, el saxofonista soprano Sidney Bechet, el percusionista Warren Baby Dodds, y el pianista y compositor Jelly Roll Morton. Sin embargo, el músico más influyente del estilo de Nueva Orleans fue el segundo trompeta de King Oliver, Louis Armstrong
El primer auténtico virtuoso de jazz, Armstrong fue un sorprendente improvisador, tanto en el plano técnico, como en el emocional e intelectual. Cambió el formato del jazz y puso al solista al frente de la orquesta. Los grupos con los que grabó, los Hot Five y los Hot Seven, demostraron que la improvisación podía ser mucho más que una simple ornamentación de la melodía; para ello creó nuevas variaciones basándose en los acordes de la melodía inicial. También creó escuela para todos los cantantes de jazz posteriores, no sólo en la manera de alterar las palabras y la melodía de las canciones, sino también al improvisar sin palabras, usando la voz como un instrumento (técnica denominada scat singing).

SALSA
Celia Cruz, música salsa y azúcar!
Celia Cruz nació en la década de los 30 en un típico solar habanero ( casa de vecinos ), solía acunar a sus hermanos de pequeña cantándoles bellas canciones de cuna. En su juventud logra triunfar con la Sonora Matancera en la habana, teniendo que exiliarse luego en EEUU. Allí es redescubierta como salsera por la Fania, participando en la primer ópera latina de Larry Harlow dando su interpretación de “La gracia divina”. A posteriori logra sus primeros discos junto con Pacheco y su rotundo éxito entre las nuevas generaciones de bailadores.
Luego del boom industrial, las grabaciones son obligadas a mostrar fórmulas fáciles y seguras, huyendo de los experimentos de fusión iniciados por Colón y Palmieri. Celia fue dominando el repertorio encontrandose haciendo la música que siempre había interpretado, mucho antes de que se llamara Salsa. Ella había intentado ir con los tiempos, llegando incluso a grabar rock, un rock muy especial, cargado siempre de todo su sabor cubano. En 1977 graba con pacheco “Recordando el ayer”, el disco recogía todo el sabor tradicional del Son y la Guaracha cubana, pero no llegaba a ser Salsa. Esta onda tradicional actualizada fue el inicio del fin del “boom” salsero. Al final del 77 grabó con Willie Colón, esta vez con aires mas innovadores y haciendo incursiones en la música brasilera y mejicana puesta en Salsa. Además se incluyo una Bomba y un Merengue.
Celia Cruz, a quien el paso del tiempo no afectaba en su potencia, vigor y calidad de voz grabó con las mejores orquestas y se convirtió en la diosa de la Música Caribeña. Hoy, aunque ya fallecida, sigue en lo más alto de su pedestal recibiendo numerosos premios por sus grabaciones.
No podemos decir que Celia sea lo mejor de la Salsa, ella en realidad es la mejor guarachera que se ha conocido, antes y después del boom de la Salsa.

POP
Madonna, reina de la musica Pop
Sin duda Madonna es uno de los más importantes íconos de la musica Pop del fin de milenio. A partir de su debut en el año 1983 su música se escuchaba en todos las discotecas de moda de los Estados Unidos. Sin embargo, no fue hasta que colocó su sencillo “Borderline” en las charts mundiales que comenzó la vertiginosa carrera de esta mujer que a los cuarte y siete años aún tiene mucho que decir.
Madonna abandonó Michigan para conquistar Nueva York con tan solo unos dólares en su bolsillo. Comenzó como bailarina de ballet en 1977, estudiando coreografía con Alvin Ailey. En su necesidad de mantenerse llego a trabajar de modelo para artistas plásticos. A partir de 1979 comenzó a trabajar con Patrik Hernández quien acababa de colocar el hit “Born to be alive”.
Con Hernández conoció Paris, considerando ella misma no era el momento para triunfar en Europa. Allí conoció a Dan Gilroy con quién se relaciono sentimentalmente y de vuelta en Nueva York, la pareja formó el grupo pop / dance conocido como “Breakfast Club”. Originalmente. Madonna entró a la banda como baterista, pero pronto se convirtió en la cantante principal. En 1980 y con nuevo novio, Stephen Bray del grupo “Con Bray”, Madonna dio vida a Emmy. Alguna demo de esta banda llegó a manos de Mak Kamins, productor neoyorquino con quien firmo contrato en 1982 con Sire Records para convertirse en tan solo dos años en el icono de la década. Kamins fue el productor del primer sencillo de Madonna: "Everybody". Su segundo sencillo, "Physical Attraction", en 1983, fue otro hitazo de discotecas. En junio de 1983 se escuchaba en todos los lugares de moda, "Holiday", escrita por Jellybean Benitez.
En marzo de 1984, "Borderline" se convirtió en la primera grabación de Madonna en aparecer en el top ten del pop norteamericano comenzando un record inigualado de 17 primeros lugares consecutivos. "Like a Virgin" fue publicado hacia 1984. La canción que da nombre al álbum llegó al primer lugar en diciembre del mismo año y se quedó ahí por seis semana. En marzo de 1985, "Material Girl" llegó al segundo lugar del top ten de popularidad. Madonna comenzó a colaborar con Patrick Leonard a partir de 1986; Leonard coescribió junto con ella algunos de los más grandes éxitos de la década, incluyendo "Live to Tell".
Su éxito se debió, en un principio, a su provocadora imagen y actitud. Su mayor etapa de popularidad fue entre 1985 y 1990 que coincidió con tres discos, varias películas y tres giras mundiales, siendo el "Blond Ambition World Tour" una auténtica revolución en el múndo del espectáculo.

Michael Jackson, icono de la música Pop
Michael Jackson nació en Gary, Indiana, el 29 de agosto de 1959. Sus padres se llamaban Joseph y Katherine. Su padre fue miembro del grupo de musica "The Falcons", y tocó como guitarrista. A su madre también le apasionaba la musica, y solia tocar canciones country junto con sus hermanas. De esta manera, Michael y sus hermanos, muy influenciados por sus padres, fueron aficionados a la música desde muy puequeños.

Ya en 1963 michael demostró sus condiciones especiales para la música, y cantó un tema de la serie "Sonrisas y lágrimas". De esta manera, los hermanos Jackson se unieron para formar "Jackson Five", y su padre, que conocia perfectamente el potencial de sus hijos dejó su trabajo para dedicarse a ser el representante de sus hijos. Muy pronto, en 1970, se convirtieron en una de los grupos más vendedores, con éxitos como "I want you back". Como solista grabó en 1972 el disco "Got to be there". Por aquel entonces sólo contaba con trece años, pero su primer disco fue todo un éxito, al igual que su segundo disco, "Ben". En 1974 grabó "Music and me", y un año después "Forever". La popularidad de Michael habia declinado un poco, así que decidió regresar con sus hermanos para sacar de nuevo a flote al grupo, el cual ya sólo se llamaba "The Jacksons", los cuales recuperaron la popularidad perdida con nuevos temas compuestos por ellos. Michael consiguió realizar en 1979 uno de sus sueños, que era el de participar en el cine. Lo hizo como espantapájaros en la película "Mago de Oz", en la cual conoció a Quincy Jones, quien más tarde se convertiria en una pieza clave para su salto hacia el éxito. En 1979 Michael volvió como solista grabando "Off the wall", un trabajo producido por Jones. Tuvo 4 hits del Top 10. Con el tema "Dont´t stop´til you get enought" ganó su primer Grammy, y vendió más discos que con cualquiera de sus anteriores trabajos. Pero el punto en que su carrera pasa de ser buena, a convertirse en uno de los mitos de la musica pop y de la música en general fue en 1982, con su álbum "Thriller".
Es difícil explicar el éxito tan rotundo que obtuvo, pero si nos ceñimos a los números veremos que ha conseguido vender casi 50 millones de copias, el disco más vendido de todos los tiempos, éxito que hoy en dia aún perdura, y sigue en aumento el número de copias vendidas. Número 1 en todos los paises, 12 nominaciones a los premios Grammy, consiguiendo 8 premios. Los 7 singles realizados alcanzaron todos ellos el Top 10 de las lista norteamericanas, llegando a ser, dos de ellos, números 1. En cuanto a las canciones, se pueden encontrar "The girl is mine", donde realiza un fantástico dueto con Paul McCartney, "Beat it", con un espectacular sólo de guitarra a cargo de Eddie Van Halen, o "Billie Jane", un tema que se grabó a la PRIMERA toma. También videoclips como "Thriller" ayudaron a que éste sea un disco imprescindible en cualquier discografiá particular. En 1984 grabó su último disco con sus hermanos, "Victory", realizando una gira. También grabó con McCartney el tema "Say, say, say", o la canción "We are de World", con fines benéficos. Sin duda, Michael Jackson es uno de los artistas que más fondo ha donado para fines benéficos. En 1987 grabó "Bad" y realizó una gira mundial. Con éste disco de musica pop ha vendido unos 20 millones de copias. 6 de sus 7 singles llegaron al Top 10, y 5 de ellos de forma consecutiva fueron número uno, y consiguió un Grammy por el tema "Leave me alone". En 1991 realizó "Dangerous", que contenia temas tan importantes como "Black or white", "Remember the time" o "In the closet", y siguió con su segunda gira mundial en 1992, que no terminó hasta un año después.

HIP HOP
BLACK EYED PEAS
La banda se inició en el año 1989, cuando se graduaban will.i.am (Nacido bajo el nombre de Will Adams) y Apl.de.ap (Nacido como: Allen Pineda), juntos empezaron a darse a conocer en algunas calles de la ciudad de Los Ángeles. Más tarde se les uniría el sobrino de su en ese entonces manager Jery rivera Heller quien pertenecía a Ruthless Records. Años más tarde pudieron editar su primer material discográfico, pero nunca fue lanzado por su supuesta compañía disquera (Ruthless Records), la cual no consideró que la respuesta del material fuese positiva y generara buenas ventas.
Después el sobrino de su manager murió en el '95 de SIDA. Fue sustituido por Jaime Gómez quien entró a la agrupación y se dio a conocer artísticamente con el nombre de Taboo. Su primer disco, "Behind the Front", fue lanzado en 1998. Sorprendieron a parte del sector especializado con un hip-hop "desvergonzado" y un soul "duro". En él aparecen canciones como "Positivity" y "Be Free".
Dos años más tarde editan "Bridging the Gap". Las ventas fueron esquivas para un disco convencional y pop, con canciones sutiles y bailables, en un álbum en el que colaboraron entre otros Macy Gray en la canción "Request + Line".
"Elephunk"
El álbum que los daría a conocer fue sin duda "Elephunk", lanzado en el año 2003 junto a un nuevo vocalista quien como atractivo visual resultó ser lo que impulsó la carrera de la agrupación, se trataba de Stacy Ferguson mejor conocida como "Fergie", previamente ella formaba parte de la no muy exitosa banda femenina llamada Wild Orchid. Como Stacy (Fergie) ya no formaba parte de la femenina agrupación rápidamente fue reemplazada por la cantante Kim Hill.
Del "Elephunk" se lanzó el hit más grande que han tenido los Black Eyed Peas titulado "Where Is the Love?", llegó a la posición no. 8 en el Billboard Hot 100, y fue número 1 prácticamente en cualquier lugar del mundo por decirlo de alguna manera, incluyendo unos de los mercados musicales más importantes: el Reino Unido y Australia donde permaneció durante 6 semanas en el primer lugar de ambas listas. A este gran éxito le siguió "Shut Up", llegó al puesto 2 en Gran Bretaña, y al número 1 a mercados importantes a nivel Europa como Francia y Alemania. Elephunk hasta la fecha ha registrado ventas de más de 7 millones de copias vendidas a nivel mundial, pero éstas serían superadas por su siguiente material discográfico el más exitoso para ser específicos.
Las canciones "Let's Get Retarded" fue re-estilizada como "Let's Get It Started" para un comercial de las finales de la NBA. Más nueva, menos ofensiva, tuvo un gran éxito especialmente en iTunes. La canción fue nominada en el 2005 para dos premios Grammy en la categoría de Grabación del Año y Mejor Interpretación Rap por un Dúo o Grupo. Durante una emisión de la cadena MTV re-grabaron la canción junto con "Shut Up" para un programa especial donde se mostraba un videoclip en el que personajes del videojuego "The Urbz: Sims in the City" la cantaban.

REGGAE

BOB MARLEY

Fue el cantante más prolífico de la siguiente generación. Combinó melodías influidas por el soul con letras contestatarias. Su música se inspira en el rastafarismo, mezcla de misticismo bíblico y conciencia afrocaribeña. Marley trató de la liberación de la opresión y la lucha por los derechos, al tiempo que abogaba por el uso de las drogas (marihuana) como sacramento. Este credo se popularizó con el disco Natty Dread (1975). En el momento de la muerte de Marley en 1981, él y su grupo The Wailers eran conocidos en todo el mundo.
El sonido del reggae fue continuamente reinventado por técnicos de sonido como Lee Perry y King Tubby. Utilizaron efectos de retardo y eco para crear un sonido conocido como dub. Disc-jockeys como U Roy y I Roy dieron a conocer grabaciones de un estilo denominado toasting. Grupos como Culture and the Abyssinians utilizaron armonías sonoras en obras con profundas meditaciones religiosas. Durante la década de 1980, el reggae se propagó por artistas como Gregory Isaacs. El estilo raggamuffin o ragga que aparece en el disco de Wayne Smith Under Me Sleng Teng (1985) se caracteriza por utilizar una base electrónica. Intérpretes de otras culturas como Eric Clapton, Paul Simon y The Police han adoptado muchos elementos de la música reggae. En el mismo sentido, el grupo inglés UB40 consiguió un gran éxito en 1988 con Red Red Wine.

MERENGUE

JUAN LUIS GUERRA
Compositor y cantante dominicano que alcanzó gran popularidad durante las décadas de 1980 y 1990 junto a su grupo 4.40. Su música es una mezcla de estilos que abarca ritmos originarios del área del Caribe, como el merengue, y otros que hunden sus raíces en el continente africano.
Nació en Santo Domingo, en el seno de una familia de clase media. Gracias a una beca se pudo matricular en el Conservatorio Nacional de Música y, en 1980, viajar a Boston (Estados Unidos) para estudiar jazz y composición en el Berklee College of Music. Durante estos años, su música experimentó la influencia de las grandes bandas del rock mundial, como The Beatles, The Rolling Stones o Pink Floyd, del pianista Chick Corea y del guitarrista Pat Metheny, sin olvidar nunca sus propias raíces caribeñas.
En 1981 volvió a Santo Domingo y fundó el grupo 4.40. Este nombre hace referencia a la frecuencia de la nota la, tono equivalente al diapasón en el que suelen estar afinadas las orquestas modernas. Con su primer álbum, Soplando (1982), editado de nuevo en 1984 como El original 4.40, no obtuvo gran éxito de ventas. Más tarde grabó otros dos Lps, Mudanza y Acarreo (1985) y Mientras más lo pienso... tú (1987), en los que abandonaba la mezcla de merengue dominicano y jazz de su anterior disco y adoptaba unos ritmos más tradicionales. Sin embargo, el álbum que le lanzó a la fama fue Ojalá que llueva café (1989), un gran éxito en todo el mundo. Dos años después fue galardonado con un premio Grammy por su disco Bachata Rosa (1990). Posteriormente grabó Areíto (1992) y Fogaraté (1995), una obra con reminiscencias de la música africana. Durante tres años interrumpió su carrera musical para dedicarse a los medios de comunicación, pero en 1998 regresó con el álbum No es lo mismo no es igual. En 2003 escribió para Luis Miguel el tema “Te necesito”, título del Lp del cantante mexicano. Y un año después lanzó el álbum Para ti, fruto de su conversión al cristianismo, en el que se aleja de la salsa y el merengue que tradicionalmente cultivaba para acercarse al gospel.

VALLENATO
CARLOS VIVES
Autor e intérprete de canciones, uno de los artistas colombianos más populares. Sus conciertos, multitudinarios ya a principios de la década de 1990, se convierten en fiestas populares cuando comienza a entonar sus vallenatos.
Nació en 1962 en Santa Marta. A comienzos de la década de 1980 descubrió el vallenato, un género musical nacido a mediados del siglo XIX en los patios de vecindad de las casas y en las vaquerías de los departamentos colombianos de Cesar y La Guajira, y que se extendió rápidamente a los festivales populares y los salones de baile de los clubes sociales antes de conquistar los grandes auditorios con sus ritmos alegres y pegadizos, acompañados por el acordeón, una suave percusión y flautas. Gracias a Carlos Vives, el vallenato volvió a la radio, la televisión y las discotecas de toda América Latina. Su disco Clásicos de la provincia (1994) se editó también en España y Estados Unidos. Posteriormente publicó Tengo fe (1997), El amor de mi tierra (1999) y Déjame entrar (2001), premiado con el Grammy Latino al mejor álbum tropical contemporáneo. Además de cantante, Vives es también actor de gran éxito en series televisivas. Convertido en cantante de masas, publicó en 2004 El rock de mi pueblo, en el que se escora hacia el género musical estadounidense, enriquecido con raíces folclóricas colombianas.