GENEROS MUSICALES
La voz género fue empleada por los griegos para designar los distintos tipos de afinación de sus escalas musicales. Es conveniente no confundir los géneros con los modos pues estos últimos dependen tan sólo del grado que se tome como origen y final de la escala diatónica, según el cual ésta cambia la forma de sus tetracordios, que varían de acuerdo con la distribución y lugar que ocupa su semitono (mi-fa y si-do). De esta forma, los modos se transforman unos en otros por trasposición; no así los distintos géneros que, o bien enriquecen sus tetracordios en número de sonidos o, de tenerlos en igual cantidad, son irreductibles unos a otros por tener unidos sonidos no comunes entre sí. También existía esta clasificación en la antigüedad, se consideraba como género musical el rítmico o de danza, el métrico o de gesto, el orgánico sobre los instrumentos, el hipocrático sobre la pantomima, el armónico sobre las reglas de canto o melodía y el poético, que se refería a los versos. Los diversos autores asignaban a cada género propiedades psicológicas distintas.
En la actualidad, género es un término ambiguo con el que se designa un estilo (barroco, clásico, romántico, impresionismo, expresionismo), una técnica de composición (dodecafónica, serial), una forma musical (fuga, sonata, cuarteto), una música destinada a una finalidad determinada (de cámara, sinfónica, teatral, religiosa, ballet) o grupos contrapuestos según su formación (vocal, instrumental).
ROCK AND ROLL
De un modo general, la música rock agrupa el conjunto de corrientes musicales que surgieron a mediados del siglo XX en Estados Unidos. Con el correr de los años se puede decir que ha perdido el carácter anglosajón que tuvo en sus orígenes para convertirse en un lenguaje universal, sometido a un continuo cambio.
Tiene raíces tan plurales que sintetiza las principales ramas de la llamada música popular estadounidense, destacándose entre estos el blues, el rythm and blues (R&B), el canto gospel y el country and western.
No obstante los evidentes vínculos que posee con las más profundas esencias de la música de la comunidad afroamericana, la musica rock & roll es en realidad el resultado, tras una larga síntesis que se inicia con el siglo, de la adaptación de estas fuentes a una concepción y una estética “blanca”, lo que generó las primeras actitudes públicas de rechazo, algunas de ellas muy conflictivas. De esta forma fue considerado por compositores de blues, tales como Muddy Waters, “un hijo del rythm and blues al que llamaron rock”, siendo numerosas organizaciones racistas estadounidenses las que afirmaban con desprecio que este nuevo tipo de música “rebajaba al hombre blanco a la categoría de negro”. La variante, en cualquier caso, de acuerdo con estas interpretaciones, radicaría en el hecho de que la base del rock & roll, el viejo blues, estaba revisada, para mayor gloria de la raza blanca, a través de inyecciones de ritmo tan pronto dulce, como de andanadas de sonido estridente, rápido y energético.
Durante mucho tiempo este nuevo estilo de música fue llamado como una síntesis ligera de blues y R&B, y hallaría su ídolo fundacional a mediados de la década de 1950 en la figura de Elvis Presley, aún cuando desde la primera grabación de blues registrada en la historia ( “Crazy Blues”, un tema cantado en 1920 por Mammie Smith ) hubieran pasado casi tres decenios.
Esta vía de ”desencuentro”, conforme con sus raíces negras, la seguirían cantantes como Bessie Smith ( llamada la Emperatriz del Blues ), Billie Holiday, Little Richard y, ya en la esfera de la música de finales de la década de 1960 cantada por mujeres blancas, Janis Joplin. Para entonces, por los espasmódicos bailes que suscitaba en grandes masas de jóvenes y sus ritmos trepidantes, el rock se había transformado en algo más que música, era Rock and Roll , energía en estado puro.
JAZZ
El jazz posee una historia definida y una evolución estilística específica, es una forma musical nacida hacia 1900 en Estados Unidos. En su desarrollo ha tomado elementos de la música folclórica; a su vez la música popular los ha tomado del jazz.
Desde sus inicios, el jazz se ha ramificado en muchos subestilos, lo que hace difícil lograr encontrar una descripción única que se adapte a todos ellos con fiabilidad absoluta. Sin embargo, pueden hacerse algunas generalizaciones, teniendo en cuenta que sen todos los casos hay excepciones.
Según el estilo que se ha elegido, los intérpretes de jazz improvisan dentro de las convenciones posibles. Por lo general la improvisación es acompañada de una progresión de acordes de una canción popular o una composición original que se repiten. Los instrumentistas imitan los estilos vocales negros, incluso el uso de glisandos y portamentos ( sonidos arrastrados de una nota a otra ), las ligeras variaciones de tono, y los efectos sonoros tales como gruñidos y gemidos.
La voluntad de crear un sonido personal de color tonal —con un sentido del ritmo y forma individual, y con un estilo propio de ejecución— ha llevado a los músicos a la utilización de ritmos que se caracterizan por una sincopación constante ( los acentos aparecen en momentos inesperados del compás ) y también por el swing, un pulso rítmico único del jazz que se manifiesta en las complejas relaciones entre notas largas y breves. Las partituras escritas, si existen, se usan tan sólo como guías de la estructura dentro de la cual se desarrolla la improvisación. La instrumentación típica comienza con una sección rítmica, formada por el piano, el contrabajo, la batería y una guitarra opcional, a la que se pueden añadir instrumentos de viento. En las big bands los vientos se agrupan en tres secciones: saxofones, trombones y trompetas.
Teniendo algunas excepciones dentro de sus subestilos, el jazz en general se basa en la adaptación de infinitas melodías a algunas progresiones de determinados acordes. El músico improvisa nuevas melodías que se ajustan a la progresión de los acordes, y éstos se repiten tantas veces como se desee a medida que se incorpora cada nuevo solista.
Es claro que para la improvisación de jazz se usan piezas cuyas pautas formales son muy distintas, hay dos estructuras, en particular, que se usan con más frecuencia en sus temas. Una es la forma AABA de los estribillos de las canciones populares, que consta de 32 compases divididos en cuatro secciones de ocho compases cada una: la sección A, la repetición de la sección A, la sección B ( el puente, que suele comenzar en una tonalidad nueva ), y la repetición de la sección A. La segunda forma tiene hondas raíces en la música folclórica de la comunidad negra estadounidense, el blues de 12 compases. A diferencia de la forma de 32 compases en AABA, los blues tienen una progresión de acordes casi uniforme.
Los origenes del jazz
Las raíces del jazz radican en el eclecticismo musical de los afroamericanos. En esta tradición sobreviven elementos de la música del África occidental, de las formas musicales de la comunidad negra del Nuevo Mundo, de la música popular y clásica europea de los siglos XVII y XIX y de formas musicales populares posteriores que han influido en la música negra o que son obras de compositores negros. Los estilos vocales se encuentran entre los rasgos africanos, y destacan por una gran libertad de coloración vocal, la tradición de la improvisación, las pautas de pregunta y respuesta, y la complejidad rítmica, tanto en la síncopa de líneas melódicas individuales como en los ritmos complejos que tocan los distintos miembros de un conjunto. Los cantos que acompañaban el trabajo, las canciones de las nanas, posteriormente los cánticos espirituales y el blues eran otras formas de música que fueron asimiladas a los distintos estilos de jazz.
La música europea ha aportado estilos y formas específicas: himnos, marchas, valses, cuadrillas y otras músicas de baile, de teatro, y de ópera italiana, así como elementos teóricos —en especial la armonía—, un vocabulario de acordes y la relación con la forma musical.
Entre los elementos negros de la música popular que han contribuido al desarrollo del jazz se incluyen la música de banjo de los minstrel shows ( derivados de la música de banjo de los esclavos), los ritmos sincopados de influencia negra procedentes de la música latinoamericana (que se escuchaba en las ciudades sureñas de Estados Unidos ), los estilos de pianola de los músicos de las tabernas del Medio Oeste, y las marchas e himnos interpretados por las bandas de metales de negros a finales del siglo XIX. En estos años surgió otro género que ejerció una poderosa influencia; se trataba del ragtime, música que combinaba muchos elementos, incluidos los ritmos sincopados ( originarios de la música de banjo y otras fuentes negras ) y los contrastes armónicos y las pautas formales de las marchas europeas. A partir de 1910 el director de orquesta W. C. Handy tomó otra forma, el blues, y la llevó más allá de su tradición precedente —estrictamente oral—, con la publicación de sus originales blues. En las manos de los músicos de jazz, sus blues encontraron en la década de 1920 a quien sería quizá su mejor intérprete: la cantante Bessie Smith, que grabó muchos de ellos.
La fusión de estas múltiples influencias en el jazz resulta difícil de reconstruir, dado que esto ocurrió antes de que el fonógrafo pudiera ofrecer testimonios fiables.
Un músico de nombre Buddy Bolden parece haber sido el artífice de las primeras bandas de jazz, pero su música y su sonido se han perdido. Si bien se pueden percibir ciertas influencias del jazz en las pocas grabaciones primitivas en discos, la primera grabación de una banda de jazz hubo de esperar hasta 1917. Esta banda, un grupo de músicos blancos de Nueva Orleans, que se llamaba The Original Dixieland Jazz Band, tuvo un enorme éxito tanto en Estados Unidos como a nivel internacional (el término dixieland sería utilizado para definir más tarde al estilo Nueva Orleans interpretado por músicos blancos ). Después aparecerían dos destacados grupos, uno blanco y otro negro: en 1922 los New Orleans Rhythm Kings y en 1923 la Creole Jazz Band, esta última liderada por el cornetista King Oliver. La serie de grabaciones realizadas por el grupo de Oliver son los registros más significativos del estilo de Nueva Orleans. Otros destacados músicos de esta ciudad fueron los trompetistas Bunk Johnson y Freddie Keppard, el saxofonista soprano Sidney Bechet, el percusionista Warren Baby Dodds, y el pianista y compositor Jelly Roll Morton. Sin embargo, el músico más influyente del estilo de Nueva Orleans fue el segundo trompeta de King Oliver, Louis Armstrong
El primer auténtico virtuoso de jazz, Armstrong fue un sorprendente improvisador, tanto en el plano técnico, como en el emocional e intelectual. Cambió el formato del jazz y puso al solista al frente de la orquesta. Los grupos con los que grabó, los Hot Five y los Hot Seven, demostraron que la improvisación podía ser mucho más que una simple ornamentación de la melodía; para ello creó nuevas variaciones basándose en los acordes de la melodía inicial. También creó escuela para todos los cantantes de jazz posteriores, no sólo en la manera de alterar las palabras y la melodía de las canciones, sino también al improvisar sin palabras, usando la voz como un instrumento ( técnica denominada scat singing ).
SALSA
Los orígenes de la música popular suelen ser un asunto de disputa y, en el caso de la musica salsa, esa afirmación genérica se cumple. Varios pueblos y lugares reclaman para sí el honor de haber alumbrado este género musical hispano que ha logrado conquistar una buena parte del mundo. En realidad los principios de este género musical tienen raíces largas y profundas que alcanzan Cuba, Puerto Rico, Venezuela, Colombia y cuyo tronco aflora en Nueva York y Miami.
La palabra “salsa” puede llegar a provenir de cierta reivindicación cubana, basándose en que el cubano Ignacio Piñeiro interpretaba en 1933 una canción, “Échale Salsita”, que además de introducir la trompeta por primera vez en el son, sirvió para que ese culinario elemento se colara en la música bailable caribeña. No se encuentra ninguna continuidad entre esa aparición inicial y la utilización de la palabra “salsa” como denominación de un determinado género. En realidad, palabras como salsa, azúcar, sabor, pese a ser nombres, se han utilizado en la música caribeña a modo de interjección, como elemento gramatical destinado a poner un acento de expresividad no directamente relacionado con su estricto significado. Dado este uso, surge el nombramiento de una música de profundos orígenes cubanos transformada y reelaborada en los barrios hispanos de Nueva York. Se puede decir que el termino Salsa fue afirmado como la denominación de un género gracias a un hallazgo comercial de la discográfica Fania Records al principio de los años 70 en Nueva York. De forma desmitificadora decía Tito Puente en una entrevista que "salsa es lo que yo como con mis espaguetis pero gracias a esa pequeña palabra que no significa nada, todos nosotros hemos sido capaces de encontrar un modus vivendi durante las últimas décadas".
¿Por qué no fue sabor, azúcar o sabroso…? No se sabe, lo cierto es que siguiendo los principios más elementales del marketing, juntar un producto elaborado por músicos mucho menos homogéneos de lo que podría parecer bajo una misma etiqueta, sirvió para que el consumidor pudiera reconocer y adquirir lo que se convirtió en un éxito comercial aún hoy, pasado su momento de novedad, sigue siendo muy bien distribuido por las discográficas. Finalmente es conveniente resaltar que la salsa es básicamente una denominación genérica para ritmos y estilos muy variados. Celia Cruz, la reina de la salsa, decía que "Salsa es la música cubana con otro nombre. Es mambo, chachachá, rumba, son... todos los ritmos cubanos bajo un único nombre".
POP
La musica pop es un estilo que ha logrado dominar las listas de ventas desde su nacimiento, a principios de la década de 1960, y que ha recibido etiquetas de toda clase, dada su extrema facilidad para adoptar variadas influencias ajenas. Los temas pop se basan en la repetición de melodías en torno a una construcción clásica de estrofa, estribillo, estrofa, estribillo, puente y estribillo.
Siendo sus orígenes en el siglo XIX, no fue hasta el siglo XX, con la creación de la industria discográfica, cuando se convirtió como tantos otros géneros, en una realidad de consumo para la audiencia mundial, logrando desarrollar todo su potencial. Fue influenciado en sus comienzos por el rocj y el doo-wop, pero la musica pop se ha basado siempre en la composición y la producción, y no en la acritud o el sentimiento propios del rock 6 roll y del blues, dando lugar a la llamada “cultura single” (o sencillo); grabaciones de un único tema que se alternan en las listas de éxitos. Durante la década de 1960 estuvo representado por The Beatles, The Beach Boys, The Everly Brothers o el productor Phil Spector.
Tras absorber la psicodelia de finales de esa década, compositores como Burt Bacharach, The Carpenters, Gilbert O'Sullivan o el dúo Simon and Garfunkel otorgaron al pop cierta profundidad y madurez, acercándose así a un público más adulto.
A pesar de ello, en la década de 1980 los creadores de Pop volvieron a centrarse en el público adolescente, persiguiendo el éxito continuo con producciones en cierto grado artificiales, que ocupaban las listas de ventas durante el tiempo justo para ser sustituidas por otras nuevas. El trío de productores ingleses Stock, Aitken y Waterman fue el máximo valedor de esta corriente, apadrinando a artistas como Rick Astley, Jason Donovan o Kylie Minogue. En la siguiente década abundarían también los grupos de cantantes y bailarines, como New Kids on The Block o Take That. Al mismo tiempo, el pop fue durante esos años el vehículo para la creación de estrellas mediáticas como Madonna o Michael Jackson , en consonancia con el espíritu frívolo que caracterizó a la sociedad occidental durante esos años.
Sólo los que supieron reinventarse consiguieron mantener cierta relevancia en el show business durante los lustros siguientes. Con la aparición a principios de la década de 1990 del grunge y la música electrónica y pop, el género pop propiamente dicho adquirió la condición de reliquia, aunque ( maquillado bajo producciones heterogéneas ) sigue siendo el punto de partida de muchos compositores actuales.
MUSICA HIP HOP
Hip-hop, movimiento artístico y musical surgido en la década de 1980, en el seno de comunidades urbanas de origen afroamericano e hispano de Estados Unidos. En sus orígenes, el hip-hop se caracterizó por aglutinar tres fenómenos muy diferentes: el fraseo vocal conocido como rap, las pintadas artísticas en la calle bautizadas como graffiti y el baile acrobático llamado break dance. Hoy el término se aplica a todo un estilo musical, evolucionado a partir de la tradición musical negra -el soul, el funk, el rhythm and blues y a veces también el jazz-, a base de emplear medios tecnológicos y estudios de sonido modernos.
A principios de la década de 1980, los adolescentes de las barriadas negras buscaban un modo de autoafirmación a través de formas artísticas nuevas y originales, y como alternativa a las luchas callejeras y a la delincuencia de bandas. El rap, un rapidísimo canto recitativo sobre una sencilla base rítmica de bajo y batería, es el punto de partida de una tendencia que, con el nombre de hip-hop, constituye uno de los fenómenos más influyentes y de mayor éxito comercial de la música pop de la década de 1990. Sus principales características son una percusión rítmica generada con sintetizador, citas musicales obtenidas mediante la técnica de muestreo a partir de discos antiguos de soul, funk o rock, el ritmo vocálico del rap y las frases cantadas breves, generalmente a cargo de voces femeninas, al estilo de la música soul.
Del mismo modo que el rap constituye la expresión de una nueva conciencia afroamericana, muchas formaciones hip-hop se sienten portavoces de la denuncia del racismo latente en la sociedad estadounidense. En primera línea de esta agitación se encuentra el grupo Public Enemy, cuyas letras radicales han dado lugar a numerosas controversias e intentos de censura en Estados Unidos. Otros artistas igualmente comprometidos y polémicos son Ice-T, Ice-Cube y Two Live Crew. Curiosamente, muchos de ellos han acabado dedicándose a la industria cinematográfica.
Como el hip-hop puede producirse de forma sencilla y barata en estudios caseros, las piezas de este estilo aparecen en las listas de éxito internacionales bajo las formas más variadas: fáciles y comerciales, como la propuesta de M. C. Hammer, que vendió millones de discos con la canción “U can’t touch this”, o musicalmente depuradas, como las de De la Soul o Soul II Soul. Otros artistas populares son Arrested Development, Cypress Hill o Coolio.
Los criterios estilísticos del hip-hop se han convertido actualmente en patrimonio común de músicos pop de todas las nacionalidades y todas las razas, gracias, en parte, al enorme éxito del rapero estadounidense Eminem. En Europa y Latinoamérica ha surgido toda una hornada de músicos que cultivan el estilo, fusionándolo en ocasiones con las raíces musicales que les son más propias, como el flamenco, en el caso de España.
MUSICA REGGAE
Reggae, estilo musical moderno jamaicano. Los orígenes del reggae pueden encontrarse en el mento, una mezcla del folclore africano con el jazz, el gospel y el calipso, que apareció en Jamaica durante la década de 1940. La influencia del rhythm and blues, que llegaba a la isla a través de las emisoras de radio de Estados Unidos, propició que los músicos jamaicanos experimentaran con tambores y con nuevos modelos de bajos. Este estilo evolucionado e inquieto, conocido en la década de 1960 como ska, está representado por artistas como Prince Buster and the Skatalites. Hacia 1966 el tempo se había suavizado hasta llegar al estilo rocksteady, que abrió el camino al reggae. La canción “Do The Reggay” de The Maytals (1968) supuso una de las primeras apariciones de esta palabra. El reggae invirtió los tradicionales modelos del rock, permitiendo que la guitarra mantuviera la tensión rítmica, con frecuentes acordes a contratiempo, mientras el bajo de guitarra interpretaba modelos melódicos. Jimmy Cliff fue la primera estrella internacional del reggae, debido en gran medida a su papel protagonista en la película The Harder They Come (Caiga quien caiga, 1973, de Perry Henzell) y a su banda sonora, que incluye una canción de Jimmy Cliff.
MUSICA MERENGUE
Danza y música nacionales de la República Dominicana que tiene como origen a la contradanza, la mazurca y el vals europeos. Aunque su influencia se ha extendido hasta Haití y Venezuela, es en la isla de las Antillas donde más se escucha su característica melodía acompañada por la tambora (tambor de dos parches), el güiro y el acordeón. Anteriormente se tocaba con instrumentos de cuerda autóctonos de la región, como son el tiple, la bordona, el cuatro, el seis y el doce.
La música se toca en tempo moderado, compás rápido de y ritmo binario, y alterna secciones de estrofas y estribillos.
La música y la letra de este baile de parejas ha tenido como autores más notables a Johnny Ventura y Félix del Rosario, quienes, junto con Alberto Beltrán y Juan Luis Guerra, han sido también los intérpretes más destacados.
MUSICA VALLENATA
Género musical originario de Valledupar, capital del departamento colombiano de Cesar. A partir de la década de 1960 el vallenato ha ido cobrando cada vez más auge y difusión tanto dentro como fuera de su país.
Presenta un ritmo lento y expresivo, con una cadencia especial que lo hace muy pegadizo. Las letras, en forma de romance, suelen retratar la realidad social del país y de la región desde una perspectiva crítica y, por lo general, un punto de vista ingenioso.
Los instrumentos típicos son el acordeón, la guacharaca (un idiófono de fricción fabricado con una caña hueca) y un tambor llamado caja vallenata, aunque también se incorpora la guitarra, que contribuye a aumentar la sonoridad. Los autores y compositores más destacados son: Colacho Mendoza, Rafael Escalona, Lisandro Mesa, Alejo Durán, Julio Bovea y sus Vallenatos, Diómedes Díaz, Leandro Díaz, Carlos Vives y Alfredo Gutiérrez.
